Musicians – Sounds Like A Confession

BADBADNOTGOOD: 重塑當代爵士樂模樣

BADBADNOTGOOD
photo credit: Jamal Burger

來自加拿大多倫多的樂隊BADBADNOTGOOD，音樂向來遊走於爵士樂與instrumental hip hop之間，無法簡單地用傳統流派框架將之定義。然而，他們今年發表的新專輯《Talk Memory》，卻流露回歸本源的心意。這次他們找來巴西傳奇爵士音樂人Arthur Verocai參與製作，重塑心目中當代爵士樂的模樣。

BADBADNOTGOOD（下稱BBNG）早於2010年組成，三位創團成員Chester Hansen（貝斯手）、Alexander Sowinski（鼓手）、Matthew Tavares（鍵琴手，於2019年離團）在大學時修讀爵士樂課程而結緣，但真正令他們走在一起的，是彼此對hip hop音樂的熱愛。經常與他們合作的色士風手Leland Whitty，亦於2016年正式加入成為固定成員，為BBNG注入豐富感性的旋律。

BBNG成立初期，以爵士樂技法改編多首hip hop/rap歌曲，成功引起原唱者之一Tyler, the Creator的注意，更獲邀會面，即興玩了一場精彩的live session，不僅為日後雙方合作奠定基礎，亦使BBNG在音樂圈嶄露頭角。

如果說BBNG首兩張專輯《BBNG》和《BBNG2》表現出重新演繹作品的功力，《III》及《IV》則展示岀他們持續爆發的創作潛能。他們善用紥實的爵士樂根基，將當中複雜精密的技術結合當代音樂風格，加入電子合成器、色士風、人聲等元素，打造多首自成一格的jazz fusion作品。

不論是〈Can’t Leave The Night〉的暗黑電子嘻哈節拍、〈Confessions〉那令人難以忘懷的色士風獨奏，或是〈Time Moves Slow〉中低沉吟唱的男聲（由美國synth-pop樂隊Future Islands主音Sam Herring獻聲），這些代表作均蘊含強烈電影感，聽歌時腦袋不期然浮起畫面。

順帶一提，BBNG在發表《III》與《IV》期間，曾與美國經典饒舌團體Wu-Tang Clan成員Ghostface Killah合作推岀《Sour Soul》。這張專輯以hip hop為主，較少爵士樂元素。客串的音樂人可謂相當有份量，當中包括去年突然離世的傳奇饒舌歌手MF Doom。

BADBADNOTGOOD – Talk Memory (2021)
XL Recordings / Innovative Leisure

睽違五年，由四人變成三人陣容的BBNG再度發片。新專輯取名《Talk Memory》，喻意音樂作為對話，透過創作釋放能量與情感，藉此向曾經影響他們的音樂人、作曲家致敬，同時希望這些即興演奏的錄音室作品，能讓聽眾仿如置身BBNG的現場表演之中。

開場曲〈Signal From The Noise〉宛如一場九分鐘的迷幻爵士旅程，充滿實驗性。此曲由BBNG及英國電子音樂人Floating Points共同監製，MV則由Duncan Loudon執導，找來BBC偽紀錄片《People Just Do Nothing》的創作者兼編劇Steve Stamp擔任主角，飾演一個自我封閉的人，用膠帶將耳機綑在自己頭上，拿著木偶走到街上，與路人、保安員進行一連串古怪的互動。

緊接岀場的〈Unfolding (Momentum 73)〉，在美國ambient/new age音樂大師Laraaji加持下，滲著簡約飄逸的氣息，讓色士風有充裕空間發揮，如歌者般自由高唱。

接下來，一連三首都是Arthur Verocai有份客串的作品。他無疑是這張專輯的靈魂人物，不僅參與製作一半曲目，所負責的弦樂編曲亦甚為悦耳，注入優雅浪漫感覺，令BBNG的音樂錦上添花。

聽眾不難從〈City Of Mirrors〉體現弦樂的張力，但令我更感神奇的是，MV將這浪漫的爵士樂曲與青年街頭踩滑板的片段放在一起，居然毫無違和感。

個人心水之作〈Beside April〉，音樂結構儼如一部電影，高潮迭起，完全捨不得把它聽完。其MV亦甚具心思，畫面出現馬匹奔跑及高速轉動的合成影像，令我想起十九世紀著名英國攝影師Eadweard Muybridge的動態攝影作品《The Horse in Motion》(1878)，但這裡它把真實紀事手法提升至超現實藝術的層次。

〈Love Proceeding〉承接上兩曲的華麗氛圍，弦樂與色士風互相回應，旋律突岀。初聽前奏時感覺不太像爵士樂曲，或許因為那襯底的迷幻結他弦音？直至中後段岀現色士風的獨奏，才把我帶回爵士樂的世界。

〈Timid, Intimidating〉開始時像一個緩衝，讓亢奮的情緒得以沉澱。然而，歌曲發展下去，再次進入混沌之中。貝斯低鳴，鼓聲越趨澎湃，伴隨忘我地吹奏色士風的Leland Whitty。

末曲〈Talk Meaning〉除了Arthur Verocai助陣外，還有豎琴演奏家 Brandee Younger及jazz/hip hop製作人Terrace Martin參與。中音色士風的音色貫穿全曲，在密集急促的鼓點襯托下，更顯哀怨。最後，歌曲以一段豎琴獨奏作結，彷彿剛才發生的一切，不過一場虛幻的夢。

試聽: https://badbadnotgoodofficial.bandcamp.com/album/talk-memory

推薦: Signal From The Noise, City of Mirrors, Beside April, Love Proceeding

Deafheaven: 後搖黑金混合體的鐵漢柔情

美國後搖黑金混合體Deafheaven，扎根於加州三藩市，是一隊由主音George Clarke及結他手Kerry McCoy主導的五人樂隊。他們將黑金屬（black metal）、後搖滾（post-rock）、瞪鞋（shoegaze）融為一體，創作岀多首狂躁暴烈、盪氣迴腸的作品，表達人內心複雜的情感。據說，樂隊名字以英國著名劇作家及詩人莎士比亞（William Shakespeare）的《十四行詩第二十九首》（Sonnet 29）為靈感，將詩中兩個詞語「deaf」及「heaven」結合，向經典shoegaze樂隊Slowdive致敬之餘，用來形容其震耳欲聾的音樂，可謂貼切不過。

曾簽約美國獨立廠牌Deathwish Inc.及ANTI-的Deafheaven，發行過四張專輯，當中以2013年推出的《Sunbather》最為樂迷所津津樂道。唱片封面呈現合上眼曬日光浴時看到的粉橘紅色，代表作如〈Dream House〉、〈Sunbather〉、〈Please Remember〉、〈Vertigo〉，憤怒、激烈卻充滿詩意，讓人回味無窮。它不僅令Deafheaven聲名大噪，同時引起金屬及獨立音樂兩派樂迷的兩極化評價。儘管如此，他們確實把這迥異的曲風發揮到極致，將法國樂隊Alcest掀起的blackgaze浪潮推向金屬搖滾圈以外的群眾。

然而，Deafheaven今夏透過洛杉磯廠牌Sargent House發表的第五張專輯《Infinite Granite》，收起昔日暗黑冷冽的樂風及招牌screamo唱腔，取而代之，是夢幻迷噪的shoegaze風格及乾淨的人聲吟唱。這班後黑金屬硬漢突然變得如此柔情，追隨多年的樂迷（如我）大感意外。誰能料到剛滿十一歲的Deafheaven會作出如此轉變？

Deafheaven – Infinite Granite (2021)
Sargent House

一如《Sunbather》內外營造的反差，《Infinite Granite》看上去是憂鬱的藍，實際上是接近無限溫暖的藍。在M83、Paramore、Wolf Alice等樂團的製作人Justin Meldal-Johnsen監製下，樂隊轉用傳統歌曲結構，採用清晰的主歌副歌段落編排，並以更具旋律性的結他獨奏來呈現朦朧、飄逸的shoegaze氛圍，偶爾帶出dream pop與post-rock交融的化學作用。

率先派台的單曲〈Great Mass of Color〉，描述因失眠熬到清晨時刻，回溯成長過程中的束縛與衝突。明亮且濃厚的結他噪音就像一些美好回憶緊緊包圍，末段響起歌者交叠的吟唱與嘶吼，就像現在跟過去的自己交纏，意味深長。

兩首關於死亡的歌曲〈In Blur〉及〈The Gnashing〉，同樣以喪子之痛為題，但採用兩個角度去描述。前者透過結他的delay效果營造一種虛無感，表達人向上帝尋求慰藉卻徒勞的無助；後者則以母親的視點岀發，器樂演奏力道非常兇猛，在黑金屬搖滾音樂中常岀現的雙踏及blast beats傾瀉而岀，將內心的痛苦連同失真的結他尖叫聲響一一釋放岀來。

主音George Clarke不時把個人經歷放進歌詞創作中。這次也不例外，於〈Villain〉寫下酗酒及虐待的家族史，訴說過去如何影響後代。音樂意想不到地清新，與沉重的命題大相逕庭。Geroge的呢喃細語，彷彿像心魔，時刻提醒著他與這些殘暴的人擁有血緣關係。

最後一曲〈Mombasa〉，長達八分多鐘，記下George照顧患病爺爺的經歷，以原音結他勾勒出抒情旋律，溫柔地頌唱死亡的仁慈與自由。歌曲發展至後段，我們再次聽到那熟悉的咆哮嗓音在洶湧澎湃的黑金海洋中迴轉，彷如重獲新生。

參考:
Deafheaven – Infinite Granite
曝曬於死亡與新生：Deafheaven黑金屬樂的驚世之作《Sunbather》
專輯評論 Album Review / Deafheaven – Sunbather

>試聽: https://deafheavens.bandcamp.com/album/infinite-granite

>推薦: In Blur, Great Mass of Color, Villain, The Gnashing

Mild High Club: 微醺復古迷幻流行樂

來自美國芝加哥、以洛杉磯為基地的Mild High Club，音樂如其名，每次聽都有種微醺的感覺，不禁想起同門的加拿大音樂人Mac DeMarco或台灣獨立樂團落日飛車（Sunset Rollercoaster）。復古曲風、慵懶唱腔，混合抒情搖滾及爵士樂，散發著迷幻的嬉皮氣息，讓人毋須酒精或藥物也能得到片刻快感。

Mild High Club aka Alexander Brettin
photo credit: Logon White

目前以五人樂隊姿態示人的Mild High Club，起初只是音樂人Alexander Brettin的個人音樂企劃。在藝術名校芝加哥哥倫比亞學院主修爵士樂的Alex，創作上受相關樂手如傳奇小號大師Miles Davis、經典爵士搖滾樂隊Steely Dan影響。出於對音樂製作的好奇心，他開始在臥室進行創作，利用四軌卡帶錄音機、手提電腦、十二弦電吉他、電子琴、貝斯、鼓機、軟件樂器等等，以lo-fi的混音方式，錄製多首帶有上世紀六、七十年代迷幻流行（psychedelic pop）風格的作品。

Alex花了三年時間製作的demo，如願成為首張專輯《Timeline》，並於2015年透過美國獨立廠牌Stones Throw Records發表。個人心水作品，如〈Windowpane〉、〈Note to Self〉、〈You and Me〉、〈Weeping Willow〉，不時出現瀕臨走音的合成器及wah-wah的電結他聲效。這些聽起來粗糙怪異的音色，卻是Mild High Club最引人入勝的地方。

相隔短短一年，Mild High Club推出《Skiptracing》。專輯延續處女作《Timeline》的懷舊風格，但這次得到樂手朋友協助錄製，音色清澈細膩，編曲及製作也比上次成熟不少。熱門單曲如〈Skiptracing〉、〈Homage〉、〈Kokopelli〉，思緒隨著夢幻的音樂遊走，儼如做了一場清醒夢。

其後，Mild High Club獲邀與澳洲迷幻搖滾樂隊King Gizzard & the Lizard Wizard合作，在專輯《Sketches from Brunswick East》中加入奇特的和弦及合成器音效，為這場jazz fusion實驗增添色彩。

Mild High Club – Going, Going, Gone (2021)
Stones Throw Records

闊別四年，Mild High Club終於帶來新專輯《Going, Going, Gone》，釋放潛藏已久的爵士魂。序曲〈Kluges I〉的純音樂，順著jazz與city pop的脈絡，慢慢進入〈Dionysian State〉的狂喜醉酒狀態。具bossa nova情調的〈Trash Heap〉與〈Taste Tomorrow〉無縫接合，流麗的鋼琴旋律令人迷醉。

甜美女聲Winter客串獻唱的〈A New High〉，電子音色在巴西音樂節奏下自由遊走，洋溢熱帶浪漫之感；〈It’s Over Again〉則像一首minimal的叢林舞曲。

來到專輯下半部分，由間奏曲〈Kluges II〉開始，作品加入更多電子與爵士音樂元素，如〈I Don’t Mind The Wait〉中段突然岀現的drum n bass節奏，感覺挺新鮮；〈Waving〉以synth及電子琴為主，打造出一首柔情的synthpop作品。

由鼓機節奏帶動的〈Me Myself and Dollar Hell〉，旋律輕快，歌詞卻帶政治色彩，輕描淡寫地帶出個人主義、竊盜統治、槍械暴力、氣候變化、宗教信仰等主題。

聽畢Mild High Club的新專輯《Going, Going, Gone》，熟悉的悠閒感覺猶在，即使部分作品未及以往般迷幻，但仍不失優雅流暢，予人放假慢活的好心情。

參考:
It’s been a five year wait but Mild High Club’s Going Going Gone is both fresh and rewarding
MILD HIGH CLUB DROP FIRST ALBUM IN FOUR YEARS, ‘GOING GOING GONE’—LISTEN
慵懶聲線配上lo-fi復古混音：令人陷入飄浮狀態的樂團——Mild High Club
游走在爵士基调上的迷幻乐队 | Mild High Club

>試聽: https://mildhighclub.bandcamp.com/album/going-going-gone

>推薦: Dionysian State, A New High (feat. Winter), Trash Heap, I Don’t Mind The Wait, Me Myself and Dollar Hell

quickly, quickly: 美國新銳lo-fi hip hop製作人

quickly, quickly – The Long and Short of It (2021)
Ghostly International

快點，快點，一起來認識新銳的美國電音hip hop製作人quickly, quickly！如果你曾在YouTube上收聽24小時直播的音樂頻道《lofi hip hop radio – beats to relax/study to》，或許聽過這首耳熟能詳的〈getsomerest/sleepwell〉，正是出自他的手筆。

這位來自俄勒岡州波特蘭市的少年，本名Graham Jonson，現年21歲，深受「底特律嘻哈音樂之父」J Dilla影響。他自幼學習鋼琴，高中時代開始製作beats，並以「quickly, quickly」的名義在不同網絡平台發表單曲及EP，吸引不少嘻哈音樂同好者，漸漸闖出名聲。

今年，被美國獨立音樂廠牌Ghostly International羅致旗下的quickly, quickly，正式發表個人專輯《The Long and Short of It》。他繼續發揮多才多藝的本色，包辦詞曲及多種樂器演奏錄製，把lo-fi hip hop及bedroom pop的特性結合，風格橫跨jazz、hip hop、psychedelic pop等等，透過迷幻複雜的節拍與人聲和唱，建構故事場景，記錄他在波特蘭及洛杉磯兩地生活的心路歷程。

開場曲〈Phases〉先以砂槌、敲擊樂等聲音營造大自然的原始氛圍，襯托唱作詩人Sharrif Simmons的獨白，述說對宇宙的沉思。不規則的爵士樂節奏與響亮的弦樂、鋼琴旋律隨後加入，帶領聽眾跨越時空。於music break岀現的色士風獨奏，將優雅的nu-jazz質感表露無遺，帶領聽眾進入神遊狀態。

〈Come Visit Me〉是寫給女友的作品，抒發因與愛人分隔兩地而產生的思念之情，滲著當代R&B風格；〈Shee〉中的結他riff及重拍鼓點帶著強烈的搖滾味道，歌者由漫不經心的唱腔轉到假音，彷如由平地飄到空中，跟著夢幻的合成器聲效，進入〈Leave It〉的迷幻爵士（psych-jazz）世界，俐落的鼓點循環不息，令人樂而忘返。

來到中段，quickly, quickly回歸他的創作根源。以鋼琴旋律貫穿的〈I Am Close to the River〉，初聽前奏以為只是一首平平無奇的ballad，後來混入了人聲和唱、樂鐘、弦樂及其他音效元素，加上變化多端的節奏，豐富了歌曲的層次，聽起來有點凄美。緊隨的〈Feel〉，混合電子、psych-pop與bossa nova的drum break，清新怡人。

全碟中最深得我心的〈Everything Is Different (To Me)〉，在indie pop的基調下，融入lo-fi的DIY製作風格，將重複的木結他riff、經典的hip hop鼓點、優雅的弦樂、傭懶的歌聲等元素拼湊，起承轉合鮮明，洋溢著青春奇幻的感覺。

專輯接近尾聲，quickly, quickly選擇以正向的音樂去記錄自己在洛杉磯的孤獨時光，寫下這首關於病痛的〈Wy〉。他在合成器的和暖音色下，消極地反覆吟唱 “Go away, go away…”，然後音樂被突然捲入漩渦中，糟糕的情緒也被瞬間吸走。

quickly, quickly由最初臥在睡房製beats的小伙子，到現在成為獨當一面的音樂製作人，其首張專輯不僅展示他跨流派的音樂觸覺，同時反映他靈活多變的可塑性。他曾在一個訪談中說道：「音樂是我唯一擅長的事情，所以我希望它能繼續下去。」的確，他的音樂有種loop一整天也不覺得煩厭的神奇魔力。請好好加油啊！

參考:
quickly, quickly: The Long and Short of It Album Review
深度介紹 Lofi Hip-Hop 電台，潛入讀書女孩的小宇宙

>試聽: https://quicklyquickly.bandcamp.com/album/the-long-and-short-of-it

>推薦: Phases (feat. Sharrif Simmons) , Shee, Leave It, I Am Close to the River, Feel, Everything Is Different (To Me)

José González: 治癒心靈的結他民謠詩人

José González
photo credit: Olle Kirchmeier

來自瑞典的獨立唱作人José González，作風一向低調，音樂清新質樸。一支古典結他、一把溫柔的歌聲，足以縈繞心頭。

早年他翻唱了不少作品，如瑞典電音二人組The Knife的〈Heartbeats〉、經典英國post-punk樂隊Joy Division的〈Love Will Tear Us Apart〉、英國trip-hop天團Massive Attack的〈Teardrop〉、澳洲流行女歌手Kylie Minogue的〈Hand On Your Heart〉等等，演繹與原作截然不同的民謠風格，觸動不少樂迷的心。

出道十八年，他推出的大碟數量不算多，但慢工出細貨，三張專輯《Veneer》、《In Our Nature》和《Vestiges & Claws》均花上數年時間製作，創作概念鮮明，技藝紥實，內容時刻圍繞大自然及人文社會，以不慍不火的態度表達對世界的關懷。

José González – Local Valley (2021)
City Slang / Mute Records

相隔六年，José González終於推出新作《Local Valley》。已為人父的他，坦言心態上比年輕時從容自在，願意敞開心扉，音樂或許因此變得輕盈、愉悅。

這次，他於專輯中作出新嘗試，首次用英語以外的語言寫歌，並在作品中加入拉丁民謠、非洲節拍，增添旋律性及節奏感。唱片封面則交由其設計師女友Hannele Fernström負責，配合大自然的主題，繪上色彩繽紛的動植物，充滿童趣感。

雖然José於瑞典哥德堡出生及成長，但其父母來自阿根廷，因而操得一口流利的西班牙語。然而，寫給女兒Laura的〈El Invento〉，卻是他首次以西班牙語創作，透過溫柔的結他旋律，向生命作出提問。

主打歌〈Visions〉中清脆的鳥鳴與和諧的合聲，令人心曠神怡。歌詞詩意且內省，反思人類與大自然的關係，點岀人即使身陷困境仍試圖尋找烏托邦的願景。

〈Head On〉的木結他旋律明亮，西非風格的敲擊令人精神抖擻，不禁幻想自己正身處一個村莊，與群眾圍圈拍手、踏腳起舞。

對應專輯名字《Local Valley》的〈Valle Local〉，承接上曲的明快節奏，José再次以西班牙語吟唱，並自信地展示他靈巧的指法彈奏。結他旋律不斷在耳邊低迴，卻百聽不厭。

專輯去到一半，開始加入鼓機節奏，氣氛頓時輕快不少。例如，女友客串獻聲及填詞的〈Swing〉，歌如其名，加勒比海風情的拉丁節奏感覺休閒，歌詞有趣易記，讓人不禁邊聽邊搖擺。

José向來喜歡收錄翻唱作品於大碟中，這次也不例外，重新演繹其樂隊Junip的歌曲〈Line of Fire〉，褪去原作豐富的層次，回歸簡單的木結他配置，反而有種落寞的感覺。

另，專輯中收錄了兩首以瑞典語唱的歌，呈現兩種不同的民謠風格。〈Tjomme〉節奏感較強，有點像minimal舞曲的味道；〈En Stund På Jorden〉則是翻唱作品（原唱為伊朗裔瑞典女歌手LALEH），感覺簡約恬靜，和音非常治癒。

聽José González的音樂往往令人忘了時間，柔和的弦音如流水般洗滌心靈。他就像一個音樂旅人，以歌聲琴音作嚮導，提醒我們要適時放鬆心情，欣賞當下風光。就讓我們暫時閉上眼，感受大自然的美。

參考:
José González Returns With ‘Local Valley’
On the Record: José González’s Local Valley

>試聽: https://josgonzlez.bandcamp.com/album/local-valley

>推薦: El Invento, Visions, Head On, Valle Local, Swing, Tjomme

SIRUP: 介乎SING與RAP之間的都會男聲

SIRUP – cure (2021)
A.S.A.B / Suppage Records

來自日本大阪的SIRUP，絕對是近年值得留意的R&B唱作男歌手。他聲線柔軟，音域廣闊，唱歌時會在旋律中加入說唱元素，流暢地轉換英日雙語，增加音律及節奏感。藝名「SIRUP」正好結合「Sing」及「Rap」，讀起來就是「Syrup」，喻意像糖漿一樣，希望將自己和其他藝術家的作品融合在一起。

90年代末至千禧年間，全球曾盛行R&B及hip hop曲風。當時仍是一名中學生的SIRUP，在管樂社負責吹奏長號，因前輩分享了傳奇盲人歌手Stevie Wonder的唱片而認識R&B音樂。後來，他接觸到美國女歌手Alicia Keys的作品，被其代表作之一〈If I Ain’t Got You〉深深打動，從此對R&B及黑人靈魂樂產生濃厚興趣。

一次，他與朋友唱卡拉OK，席間演唱了Stevie Wonder的作品，唱功一鳴驚人。在朋友的鼓勵下，他決心踏上創作歌手的道路。

轉眼間，SIRUP已岀道十年。早期他以「KYOtaro」的名義到夜店演出及發表個人專輯，在大阪累積了一些名氣，但在2013年，他毅然搬到東京尋求發展機會。期間，他受hip hop音樂影響，特別是美國饒舌歌手Chance the Rapper，嘗試建立一種融合饒舌及唱歌的風格。過程中，他掌握到更多有趣的節奏技巧，寫下更多歌詞，表達所思所想。

由於音樂風格改變，他遂於2017年正式改名爲「SIRUP」，同年發表第一首作品〈Synapse〉，展示其收放自如的唱功。翌年發表的單曲〈LOOP〉、〈Do Well〉（此曲被用作HONDA汽車廣告歌），旋律流暢輕快，充滿律動感，成功令SIRUP這名字在流行樂壇中引起廣泛關注。

經過兩張EP小試牛刀後，SIRUP於2019年發表首張個人專輯《FEEL GOOD》。音樂融合R&B、soul、hip hop風格，不論是密集饒舌貫穿的〈POOL〉、清新upbeat的〈Evergreen〉、慵懶浪漫的〈Slow Dance〉，還是與R&B男聲TENDRE合作的〈PLAY〉，每首作品均滲著優雅時尚的都會氣息，一如碟名般讓人感覺良好，心情愉悅。

去年疫症肆虐，SIRUP藉著寫歌來淨化身心，並把這些作品收錄成新專輯《cure》，希望帶岀社會需要療癒、互相包容的訊息。專輯風格承接《FEEL GOOD》，但整體結構較簡潔，主要以電子節拍、合成器、樂器的採樣組成，突顯SURIP那磁性、流動的嗓音。

率先發表的單曲〈HOPELESS ROMANTIC〉，bass drum如心跳般規律地跳動，副歌非常洗腦，很快就能琅琅上口；SIRUP表演御用結他手Shin Sakiura製作的〈I won’t be〉，由trap beats帶動，旋律優美易記，歌詞押韻，是一聽難忘的R&B情歌。

因疫情嚴峻，SIRUP與海外的音樂人只好以線上方式進行創作。與英國製作人ROMderful合作的〈Online〉，點岀現代人上線成癮的狀態。而另一首合作的歌曲〈Sunshine〉，則能聽到SIRUP岀神入化的唱腔，當中運用大量假音，充滿騷靈味道，如沐浴在和煦陽光般舒暢。

與韓國女歌手SUMIN合唱的〈Keep In Touch〉，以電子合成器及808鼓點構成，風格混合city pop與R&B；歌詞夾雜日韓兩語，男女偶爾交換語言對唱，以巧妙的互動，帶出戀人維繫感情的重要。

〈Thinkin about us〉中的機械節拍、爵士鋼琴旋律、高音人聲採樣、合成器，在製作人Yaffle精心的編曲下，產生意想不到的張力，尤其尾段岀現的人聲，由清唱到合聲，沾染少許gospel的神聖感，為這段無了期抗疫的日子帶來振奮人心的治癒能量。

參考:
【迷編聽聽】讓人沉醉其中的好聲音SIRUP 介紹 – MeMeOn 迷迷音
 遊走於Singing和Rapping 之間的魔術師–SIRUP
【專訪】SIRUP：「只要還活著，我的靈感就不會枯竭。」
SIRUP – Cure

>推薦: HOPELESS ROMANTIC, I won’t be, Online (feat. ROMderful), Keep In Touch (feat. SUMIN), Runaway, Sunshine, Thinkin about u

millennium parade: 音樂鬼才與他的千禧巡遊

*millennium parade – THE MILLENNIUM PARADE (2021)*
*Sony Music Labels Inc.*

一千年後也要記住這名字：millennium parade。

一群來自日本東京的創作人，以人氣樂隊King Gnu主腦常田大希（Daiki Tsuneta）為首，結合傳統及流行文化元素，透過超現實的cyberpunk手法打造音樂及影像，向世界展示「東京混沌」（TOKYO CHAOTIC）的另類日系美學。如果有看過今年FUJI ROCK音樂節的直播，必定被他們當晚的精彩演出及炫麗的舞台效果所吸引！

常田大希（Daiki Tsuneta)
photo credit: 常田大希 / King Gnu / Cartier

最初，millennium parade只是常田大希的個人音樂企劃（前名Daiki Tsuneta Millennium Parade，簡稱DTMP），其名字靈感來自民間傳說「百鬼夜行」，希望以千禧年為起點，創作岀一千年後仍然存在的作品。即使常田本身已是一位全能型音樂人，經常獨攬曲詞編監的工作，但單憑一己之力，難以把心中願景實現。因此，他邀請身邊一些才華洋溢、實力雄厚的樂手朋友加入，組成一支強大的團隊，打造一個有趣好玩的音樂遊樂場。

millennium parade
photo credit: millennium parade

樂團目前陣容鼎盛，成員包括：常田大希及其所屬樂隊King Gnu的兩位隊友——貝斯手新井和輝、鼓手勢喜遊；全女班實驗電子組合Black Boboi的成員、混血美女ermhoi，負責主唱及英語填詞；日本實驗騷靈樂隊WONK的成員江﨑文武，負責鍵琴及電子合成器；嘻哈音樂製作人MELRAW，負責結他、色士風、電子合成器、合成貝斯等等；King Gnu前身Srv.Vinci成員之一、現為CRCK/LCKS及Answer to Remember成員的石若駿，負責敲擊及鼓樂；常田大希的哥哥——常田俊太郎，負責小提琴及管弦樂編曲。

不得不提「PERIMETRON」——這個由常田大希及同代創作人組成的藝術團隊，主要成員包括創意總監佐佐木集、CG動畫師神户雄平、美術設計師森洸大，負責樂隊的音樂錄像、動畫製作、美術指導、唱片宣傳及周邊商品設計等等，把millennium parade的創作理念及視野完整地呈現於觀眾眼前，居功不少。其中，佐佐木集及森洸大更會在現場客串，當和唱、rapper、玩sampler等等，果真集百般武藝於一身。

millennium parade首張專輯《THE MILLENNIUM PARADE》於今年二月面世，內容圍繞「葬禮」、「慶典」、「煙火」三個主題，透過戲劇性的編曲，試圖將現世中渾然天成的矛盾加以發揮，再轉化成對未來的想像與盼望。序曲〈Hyakki Yagyō〉（百鬼夜行），以綻放的煙火聲響作引子，營造遊行隊伍浩浩蕩蕩岀巡的熱鬧氛圍，帶領聽眾走進一場華麗祭典。

率先登場的〈Fly with me〉是科幻動漫劇集《攻殻機動隊 SAC_2045》（Ghost in the Shell: SAC_2045）的主題曲，以管弦樂掀開序幕，採用雙鼓、雙結他陣式，氣勢磅礡，令人彷如置身未來大都會；四位主唱ermhoi、HIMI、森洸大、長塚健斗（WONK成員）的歌聲各具特色，有種青春的憤世嫉俗與衝勁。

緊接的〈Bon Dance〉，意指日本盂蘭盆節的「盆踊り」，是一種迎接先靈歸來的傳統舞蹈儀式。歌曲前奏加入祭典的鼓樂，與後來的電子合成器及節拍混和，重塑成一首摩登的流行舞曲。

〈Trepanation〉前奏的電鑽聲，呼應漫畫改編劇集《異變者》（ホムンクルス）中「頭顱鑽洞」的故事情節；經過機械化聲效處理的人聲與略帶驚慄的弦樂，帶出異變的感覺，充分發揮主題曲的作用。特別一提的是，為此曲獻聲的正是日本新進女聲Friday Night Plans（本名masumi），曾翻唱city pop經典作品〈Plastic Love〉。

個人偏愛由ermhoi主唱的抒情作品〈Plankton〉及〈lost and found〉，特別喜歡那種混入如Black Boboi般冷冽的電子感，加上那把如北歐精靈般獨特的嗓音，把人從混亂、喧囂的空間帶到夢幻的國度。

專輯再次回到樂團的核心概念：「千禧年＝一千年後的未來」。由常田大希作曲、ermhoi填詞的〈2992〉，對倒的數字正好說明一切：「29」代表他們現時的年紀，「92」則代表其岀生年份。他們銳意為自己留下時代印記，唱出 “We were numbers floating in time and space”，寄望作品能於岀生年後一千年（2992年）的未來佔一席位。歌曲結合搖滾及管弦樂，採用雙貝斯及雙鼓配置，旋律華麗優美而不累贅，確是佳作。（注：此曲為NHK特輯《2030 未来への分岐点》的主題音樂）

常田大希於二十歲時創作的〈Philip〉，現已重新編寫，並由他的好友、演員中野裕太負責填詞及說唱。歌曲有種神秘的暗黑力量，就像黑色電影（Film Noir）中岀現的犯罪情節、正邪難辨的角色，引人入勝。（注：此曲被用作『adidas CASUAL Collection 2020 Fall/Winter』廣告歌）

接近尾聲，King Gnu主音井口理現身，以日語唱出〈Fireworks and Flying Sparks〉。首尾呼應的木結他勾弦與口哨吹奏的旋律，以及中段哀怨的色士風獨奏，令我聯想到西部電影中的牛仔，瀟灑自若。

專輯最後一首作品〈FAMILIA〉，也是電影《家族極度物語》（ヤクザと家族 The Family）的主題曲，籠罩著莊嚴神聖的氣氛。井口理的天籟高音與常田大希低沉滄桑的嗓音——兩把截然不同質感的人聲對唱，就像一人分裂出兩個靈魂，情緒隨音樂由平靜走向激昂，扣人心弦。音樂結束一刻，猶如燃燒殆盡的花火，黯然墜落，向聽眾作出最後道別。

豐富多彩的《THE MILLENNIUM PARADE》僅長39分鐘，讓人意猶未盡，更期待millennium parade下一部作品，感受視覺與聽覺衝擊。我已準備好加入「千禧年大遊行」的隊伍了，你呢？

參考:
EXCLUSIVE: Millennium Parade Chat About New Album
Fly With Us: An Introduction to ‘millennium parade’, Daiki Tsuneta’s J-Pop Art Project
Daiki Tsuneta: From the top of the charts to the great unknown
「常田大希破壊と構築」ドキュメンタリーダイジェスト保存版
 millennium parade(ミレニアムパレード)を知っていますか?
破格的東京新混合風格 King Gnu | 2019 日本話題新團
 King Gnu 主唱另類組織：millennium parade 新迷幻MV〈Trepanation〉與小宇多田光 Friday Night Plans 合作影集主題曲

>推薦: Fly with me, Bon Dance, Trepanation, Plankton, lost and found, 2992, Philip, Fireworks and Flying Sparks, FAMILIA

CHAI: 粉紅教主的新可愛之道

自從八月尾看了日本女子樂隊CHAI在Fuji Rock音樂節的演出後，立即被其攝人的舞台魅力吸引。她們身穿一襲粉紅色泡泡紗裙，在台上使盡渾身解數，落力地又彈又唱又跳，連隔著螢幕看直播的我也不禁手舞足蹈，一起高呼「NEOかわいい」！

CHAI: (L to R) KANA, YUUKI, MANA, YUNA
photo credit: CHAI

來自愛知縣名古屋市的孿生姊妹MANA（主唱及鍵琴）、KANA（結他手及和唱）及YUNA（鼓手及和唱），三人是高中同學兼輕音部社員，在一次聚會中認識了來自岐阜縣的YUUKI（貝斯手及和唱）。因為彼此志趣相投，遂於2012年成立樂隊，並以俄羅斯果醬紅茶命名（由在大學主修俄羅斯文學的KANA提議），CHAI就此誕生。

受東京事變、The Chemical Brothers、Basement Jaxx、Jamiroquai、Gorillaz、CSS等樂隊影響，CHAI的音樂風格千變萬化，橫跨j-rock、dance-punk、hip hop、electronica等類型。主音MANA的歌聲，如女歌手CHARA、YUKI般的日式雞仔聲唱腔，獨特、可愛，卻帶幾分強悍。

樂隊成立初期以名古屋為據點，但為了專注發展成為全職音樂人，四位妹子決定於2016年前往東京，到不同場所表演，增加演出經驗及曝光率。充滿活力與紮實的現場功架令她們在獨立音樂圈中嶄露頭角，漸漸引起樂迷關注。其後，她們在一次樂隊甄選比賽中脫穎而出，被選中參加SXSW音樂節，同時獲知名唱片公司Sony Music Japan招攬旗下，為打開國際市場鋪路。

2017年，CHAI透過自家廠牌Otemoyan Record發行EP及首張專輯《PINK》，翌年亦與海外獨立廠牌如Burger Records、Heavenly Recordings簽約，將其音樂推廣到日本以外的地方。四位少女把樂隊招牌的粉紅色放到唱片封套設計、服裝造型上，吸引觀眾眼球之餘，原來蘊含一個核心價值。這班天生一副個性臉的「粉紅教主」，希望顛覆日本主流社會的審美標準，將流行文化中的「可愛」——這個與粉紅色劃上等號的形容詞——重新定義。

收錄於專輯的單曲〈N.E.O.〉正是樂隊的自我介紹。NEO，即「New Exciting Onna-band」的縮寫，解作「令人興奮的新女子樂隊」。她們擁抱自身的不完美與不安全感，透過詞曲創作，將眼前看似缺點的東西，轉化成心目中的「新可愛」（NEOかわいい）。狂亂的dance-punk節奏加上說唱，CHAI以歌聲表態，鼓勵自卑的人勇敢表達個性，因為任何人都是可愛的。

《PINK》令CHAI一舉成名，尤其在歐美等地得到不少迴響，獲得更多海外演出機會，如擔任英國indie pop樂隊Superorganism演唱會的暖場嘉賓，為她們打下一支強心針，懷著更強的自信，於2019年推出第二張專輯《PUNK》，帶來多首輕快的電子搖滾舞曲如〈CHOOSE GO!〉、〈GREAT JOB〉、〈アイム・ミー〉（ I’M ME），繼續以活潑調皮的方式宣揚「做自己」的信念。

發片後的CHAI繼續忙碌的表演生活，除了登陸大型音樂節，亦分別與加拿大獨立音樂人Mac DeMarco、澳洲迷幻樂隊Pond、美國獨立樂隊Whitney共同巡演，甚至與國際級樂隊Gorillaz及Duran Duran合作新曲。其音樂版圖擴展之迅速，實在令人驚嘆。

*CHAI – WINK (2021)*
*OTEMOYAN Record / Sub Pop*

去年，CHAI簽約至美國獨立廠牌Sub Pop旗下，並於今年發表新專輯《WINK》。這次她們收起以往的暴走模式，加入合成器、電子節拍及當代R&B、hip hop元素，營造甜美、夢幻、慵懶的感覺。歌詞方面，由貝斯手YUUKI負責填寫，以豐富的想像力、英日夾雜的話語，記錄疫情下的生活點滴。

專輯中有好幾首與食物有關的歌，可見四位妹子真是個不折不扣的吃貨！但愛吃背後，原來隱藏一個訊息：自愛（self-love）。YUUKI認為食物與音樂一樣，不僅是人與人之間的聯繫，也是一種簡單的自我滿足。

序曲〈Donuts Mind If I Do〉是一首關於甜甜圈的情歌，洋溢著甜蜜的氣息；〈チョコチップかもね〉（Maybe Chocolate Chips）則把身上的痣比喻成巧克力脆片，以浪漫的角度去看待瑕疵；歌名〈KARAAGE〉乃日語「炸雞」（唐揚げ）的意思，用來比喻年輕的愛，也太幽默了吧。

除了食物，CHAI也關心世界，如〈ACTION〉便回應了「Black Lives Matter」運動，寫下歌詞 “Action is more than words / Be the change you want to see”，勉勵大家付諸行動，作出改變；〈END〉則關於性別歧視，四人輪流說唱，在強勁的breakbeat與厚實的bassline襯托下，對霸凌者作出控訴。

與日本電子樂團YMCK合作的〈PING PONG!〉，以8-bit音樂與甜美歌聲，交叠出悅耳的電玩流行舞曲，讓人心情愉快；〈Nobody Knows We Are Fun〉中的女聲呢喃聽起來有ASMR的感覺，令我想起美籍韓裔的電子音樂才女Yaeji；到副歌部分，眾人突然齊聲唱 “Mommy I’m a big girl now! Big girl! B-I-G-G-I-R-L! Go! Go! Go!”，氣氛變得歡樂起來。

〈It’s Vitamin C〉混合neo hip hop及R&B曲風，歌者在爵士鋼琴旋律與跳脫的電子鼓點下，訴說自我選擇、愛惜身體的重要；簡約電子舞曲〈IN PINK〉找來美國菲律賓裔的hip-hop製作人Mndsgn客串，在抒情浪漫的氣氛下，一起唱出CHAI的「粉紅精神」。

短短35分鐘，眨眼間就把《WINK》聽完。相對於《PINK》、《PUNK》那份強烈的青春躍動感，《WINK》盛載著滿滿的少女心，聽起來悠然自得，令人感到身心舒暢。期待某日能夠親眼看CHAI的現場演出，與四位趣怪可愛的粉紅女生一同唱歌跳舞。In pink we trust!

參考:
Meet Chai, the Eclectic Japanese Rock Band Redefining What It Means to Be Cute
‘Kawaiiii!’ Chai, the Japanese girl band reclaiming cuteness
Chai, a Band With an Ethos, an Aesthetic and a Sound All Its Own
日本搞怪暴走女團 CHAI 的青春物語我們在粉紅色裡爆炸！
專訪日本樂團 CHAI：你不用夠可愛，才值得被愛
 【台日彼女ＡＢ面】女子創作樂團CHAI：向全宇宙呼喊非典型可愛宣言

>試聽: https://chaiofficial.bandcamp.com/album/wink

>推薦: Donuts Mind If I Do, チョコチップかもね (feat. Ric Wilson), ACTION, END, PING PONG! (feat. YMCK), Nobody Knows We Are Fun, IN PINK (feat. Mndsgn)

cero: 音樂多元進化記

自2015年夏天邂逅來自日本東京的三人樂隊cero，從此被他們悠閒愉悅的音樂所迷住。一聽著迷的單曲〈Summer Soul〉，chillax的感覺延續了許多個夏天。每次聽前奏總忍不住跟著音樂擺動身體，一起高唱 “Summer soul, summer soul, yeah ah ah ah…”。

曾於2016年內越洋兩次，先後到東京的Summer Sonic音樂節及台北的The Wall Live House，目的只為了親身感受cero那令人無法抗拒的現場魅力。2018年下旬，他們為宣傳新專輯《POLY LIFE MULTI SOUL》進行亞洲巡演。幸好本地獨立唱片店White Noise Records充當音樂會搞手，令cero能於九月來港作首次演出。我實在找不到錯過的理由，因為重要的樂隊要看三次！我就是喜歡他們到這個程度！

cero: (L to R) 橋本翼, 荒内佑, 髙城晶平
photo credit: cero / KAKUBARHYTHM

cero早於2004年成立，由主音、結他兼長笛手髙城晶平，鍵琴及貝斯手荒内佑及鼓手柳智之組成。橋本翼隨後加入，負責結他及單簧管。

關於樂隊名字，據說靈感來自日本國民作家宮澤賢治的名作《銀河鐵道之夜》中一句話「やさしいセロのような声」（猶如大提琴般溫柔的聲音），將大提琴的日語讀音「セロ」切換成英語「cero」，暗藏「Contemporary Exotica Rock Orchestra」的意思，表達樂隊的音樂風格與形式。

十年前，cero透過獨立廠牌KAKUBARHYTHM發表專輯《WORLD RECORD》。封面由漫畫家本秀康所繪，帶點稚氣，彷彿象徵著cero這班童心未泯的大男孩。

雖說是首張專輯，卻處處展現成熟且豐富的音樂底蘊，結合獨立搖滾、90年代嘻哈、電子、銅管樂等元素，描繪都市的喧鬧與日常的恬靜，呈現新世代眼中的東京風景。

專輯內最為人熟知的〈大停電の夜に〉，乃為日本311賑災而創作的歌曲。帶點哀愁的結他riff、幽怨的bassline，加上髙城晶平獨特的日式唱腔，每次聽都令我起雞皮疙瘩。

可惜數月後，鼓手柳智之選擇專注插畫事業而宣佈退團。自此，cero以三人姿態發展。

>試聽: https://cero.bandcamp.com/album/world-record

>推薦: 21世紀日照りの都に雨が降る, あののか, outdoors, exotic penguin night, 大停電の夜に

翌年，他們推出《My Lost City》，延續上一張專輯的風格，但整體氣氛更為歡樂。專輯同名曲〈マイ・ロスト・シティー〉（My Lost City）是一首華麗的爵士舞曲，滲著異國情調；〈Contemporary Tokyo Cruise〉令人彷如置身熱鬧的嘉年華；〈さん！〉洋溢著希望的氛圍，眾人在輕快的和風音樂下齊聲合唱，樂也融融。

>試聽: https://cero.bandcamp.com/album/my-lost-city

>推薦: マウンテン・マウンテン, マイ・ロスト・シティー, Contemporary Tokyo Cruise, roof, さん！, わたしのすがた

2015年推出的《Obscure Ride》無疑是我最愛的cero專輯，騷靈與爵士的元素更濃厚，特別是銅管樂的運用恰到好處，明亮和暖的音色，帶岀大都會的摩登復古味道，聽起來舒服自在。不規則的節奏結構與天馬行空的旋律，加上主音隨性的嗓音，使cero創建出獨樹一幟的neo city pop。

〈Yellow Magus〉有種夢幻的city pop質感，小號音色響亮，鋼琴旋律浪漫，令人心曠神怡；大熱作品〈Summer Soul〉散發著陣陣nu-jazz味道，有種莫名的感染力，只聽一次也能琅琅上口；關於一對高中生男女騎摩托車離家出走的〈Orphans〉，以慵懶輕鬆的旋律，抒發「二人前世或許是姊弟」的奇異情感。

>試聽: https://cero.bandcamp.com/album/poly-life-multi-soul

>推薦: Yellow Magus (Obscure), Summer Soul, Orphans, Roji, 夜去, Narcolepsy Driver, FALLIN

cero – POLY LIFE MULTI SOUL (2018)
KAKUBARHYTHM

因為《Obscure Ride》而大受歡迎的cero，沒有固步自封，反而在第四張專輯中作出新嘗試，貫徹《POLY LIFE MULTI SOUL》的主題，在爵士樂的基調下注入電子、拉丁元素、非洲節拍（Afrobeat），把多種節奏mix & match，衍生出怪誕另類卻異常吸引的混合風格，讓樂迷耳目一新。

〈魚の骨鳥の羽根〉的非洲鼓前奏與人聲引申出原始風味的Afro Jazz，一聽難忘；〈薄闇の花〉浪漫輕盈，是一首優美的Bossa Nova舞曲；〈Buzzle Bee Ride〉底層的synth-bass像嗡嗡作響的蜜蜂，配合著敲擊牛鈴時發出的叮叮噹噹聲，有種叢林舞曲的味道；〈レテの子〉則散發爵士大樂隊（Big Band）時期的搖擺（Swing）氣息，感覺優雅華麗，讓人想跟著音樂跳舞。

曾先行發佈的單曲〈Waters〉與點題作品〈Poly Life Multi Soul〉，同樣混和nu-jazz及neo soul，但後者更像一場音樂實驗，瀰漫著迷離的電子爵士味道，後段更發展成House風格的電音，非常過癮。

>試聽: https://cero.bandcamp.com/album/poly-life-multi-soul

>推薦: Modern Steps, 魚の骨鳥の羽根, 薄闇の花, Buzzle Bee Ride, レテの子, TWNKL, Poly Life Multi Soul

表面上，cero是三人組合，但公開演出時會以full band形式上陣，務求把專輯的錄音室版本完整地帶到現場。隨著創作的歌曲結構、節奏越來越複雜多變，所需的樂手增多，幕後班底亦變得龐大。

這些來支援的樂手實在功不可沒，他們本身也是獨立音樂圈中知名的樂手／音樂人：貝斯手厚海義朗、鼓手光永渉，兩人幾乎是固定的supporting member；負責吹奏色士風的あだち麗三郎、小號的古川麦，雖非固定成員，但偶然能在台上看到他們的身影。近年的演出亦多了兩位女性成員加入：負責鍵琴及和音的小田朋美，是indie pop樂隊CRCK/LCKS的靈魂人物；科班出身的唱作女生角銅真実，則負責敲擊及和音。

各人熟練的技藝及培養多年的默契，令原本豐富多彩的音樂錦上添花，演出變得立體，更添可觀性，因而吸引越來越多追隨者。

不經不覺，cero成軍已十七年，由最初的日系獨立搖滾樂隊，進化成日本當代多元化樂團。若把他們歷年的作品重頭到尾仔細聽一次的話，更能感受他們對創作的熱情與堅持，在音樂領域上不斷探索新事物，發掘自己的可能性。

最近，cero發表了兩首單曲〈Fdf〉及〈Nemesis〉，加入不少電音元素，感覺他們又要蛻變了。各位cero樂迷，你們準備好一起進化了嗎？

參考:
Zeroing in With Cero
バンド・cero（セロ）の音楽の虜になるリスナーが増殖中！
NHK WORLD – JAPAN / What cero Talk About When cero Talk About Music (long Ver.)
cero《Poly Life Multi Soul》review by 陳涵（Han Chen）（The Funk Soul Spectre）
日本流行音樂的自我意識與異國主義的發展（文／輪島裕介；中譯／王婕、林政）
簡談爵士樂各年代風格

Kings of Convenience: 原音回歸清新如初

*Kings of Convenience – Peace or Love (2021)*
*EMI*

久違的挪威獨立民謠雙人組合Kings of Convenience，讓一眾樂迷苦候十二年，終於在今夏發表新專輯《Peace or Love》！先行單曲〈Rocky Trail〉傳來的是再熟悉不過的結他民謠，感覺清新如初，勾起不少美好回憶。

青梅竹馬的Erlend Øye與Eirik Glambek Bøe，出生及成長於挪威城市卑爾根（Bergen），少年時期曾與朋友自組樂隊Skog ，後於1999年成立Kings of Convenience，以兩支木結他配搭柔和合聲，創作出療癒的歌曲。

Kings of Convenience: (L) Erlend Øye, (R) Eirik Glambek Bøe
photo credit: Salvo Alibrio

他倆於2001年發表的首張專輯《Quiet Is the New Loud》，由Coldplay的製作人Ken Nelson監製，推出後大獲好評，掀起一陣New Acoustic Movement風潮，兩人更被譽為「新世代的Simon ＆ Garfunkel」。

《Quiet Is the New Loud》的成功沒有令Kings of Convenience停下腳步。他們邀得Four Tet、Röyksopp、Andy Votel等多個電音單位跨刀合作，為專輯內部分歌曲如〈I Don’t Know What I Can Save You From〉、〈Toxic Girl〉等等重新混音、編排，並收錄成混音大碟《Versus》。

2004年發表的第二張專輯《Riot on an Empty Street》，當中不少作品如〈Misread〉、〈Cayman Islands〉，已成為new acoustic音樂的經典。最為人熟悉的〈I’d Rather Dance With You〉，「四眼仔」Erlend在MV中鬼馬地教導一班芭蕾舞女孩跳舞的畫面，至今仍為樂迷津津樂道。

慢工出細貨的Kings of Convenience，第三張專輯《Declaration of Dependence》與上一張唱片相隔差不多五年才發行，細膩地記載二人在音樂歧路上重遇的心情，作品如〈24-25〉、〈Me in You〉、〈Boat Behind〉、〈Rule My World〉等，讓人回味無窮。

睽違十二年，新專輯《Peace or Love》終於面世，風格上似乎沒太大變化。然而，要維持過往一貫上乘水準，其實有賴創作者花心思經營。

雖然Erlend與Eirik這對好拍檔在組合暫休期間各自發展，但五、六年前開始，他們再度攜手合作，走訪五個城市（挪威卑爾根、意大利斯拉古薩、德國柏林、瑞典哥德堡、智利聖地牙哥），進行錄音工作。兩人依舊默契十足，創作主題如往常般圍繞生活與愛情，把歐洲初夏的慢活節奏注入作品中，聽起來悠然自得，令人捨不得離開這舒適圈。

開場曲〈Rumours〉以明亮的結他勾弦展開，Erlend與Eirik用溫暖且優美的和聲，反覆唱著 “Don’t let them tell you who you are”，撫慰受傷的心靈；主打歌〈 Rocky Trail 〉以輕快的bossa nova節奏帶動，結他琶音、馬林巴琴音及中提琴的弦音，交織出靈巧動人的旋律。

Erlend主唱的〈Fever〉充滿夏日風情，特別喜歡後段流麗的鋼琴及低音提琴的溫厚音色；Eirik獨唱的〈Killers〉則有種喧囂過後的安靜、孤獨感，與上一曲形成明顯對比。

曾於第二張專輯客串合唱〈Know-How〉及〈The Build Up〉的加拿大唱作女歌手Feist，這次再度獻聲，帶來兩首歌曲：〈Love Is A Lonely Thing〉，以簡單的結他伴奏，三人各自唱岀主歌，自由演繹對愛的體會，歌詞內省卻不失詩意，最後以合聲作結；〈Catholic Country〉浪漫迷人，富節奏感的結他旋律與流水般的鋼琴聲交錯，伴隨和諧的男女合聲，真有戀愛的感覺。

二十年過去，不難意識到兩位北歐大男孩由少年步入中年，青澀與成熟彷彿已融為一體。被視為組合回歸之作的《Peace or Love》，或許沒為聽眾帶來太大驚喜，卻保存著Kings of Convenience的音樂初心。就像一個快樂時會與你共享歡愉、失意時給你溫柔擁抱的知心好友，怎能不好好珍惜呢？

>推薦: Rumours, Rocky Trail, Love is a Lonely Thing, Fever, Killer, Catholic Country, Washing Machine